Im Rahmen des 8. Akademiekonzerts zeichnete die Musikalische Akademie Mannheim Schülerinnen und Schüler der Mannheimer Musikschule am 24. Juni aus, die beim diesjährigen Landeswettbewerb „Jugend musiziert“ einen ersten Preis erhalten haben. 

Als Anerkennung für ihre musikalischen Leistungen überreichte die Akademie den jungen Preisträgerinnen und Preisträgern ein Präsent. Die Unterstützung des musikalischen Nachwuchses ist der Musikalischen Akademie ein besonderes Anliegen. Mit dieser Geste möchte sie junge Talente in ihrer künstlerischen Entwicklung bestärken und ihre Leistungen öffentlich sichtbar machen.

Kerem Hasan gilt als einer der vielversprechendsten jungen britischen Dirigenten. 2017 gewann er den renommierten Young Conductors Award bei den Salzburger Festspielen und war von 2019 bis 2023 Chefdirigent des Tiroler Symphonieorchesters Innsbruck. 

In der Saison 2024/25 dirigiert er u. a. das Danish National Symphony Orchestra, die Dresdner Philharmonie, das Staatsorchester Stuttgart und das City of Birmingham Symphony Orchestra. Debüts führen ihn zum Residentie Orkest, Antwerp Symphony Orchestra, Izmir State Symphony Orchestra und Orchestre symphonique de Québec. 

Im Opernbereich leitete er u. a. Carmen und Così fan tutte an der English National Opera, Die Zauberflöte in Glyndebourne, The Rake’s Progress mit Glyndebourne on Tour sowie La forza del destino an der Welsh National Opera. Des Weiteren dirigierte er u. a. das London Symphony Orchestra, das SWR Symphonieorchester, das ORF Radio-Symphonieorchester Wien, das Toronto Symphony Orchestra und das Yomiuri Nippon Symphony Orchestra. 

Er assistierte seinem Mentor Bernard Haitink u. a. beim Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks, beim Concertgebouworkest und beim Chicago Symphony Orchestra. Kerem Hasan wurde 1992 in London geboren und studierte Dirigieren am Royal Conservatoire of Scotland sowie bei Johannes Schlaefli an der Zürcher Hochschule der Künste.

Seit seiner Gründung im Jahr 2012 in Berlin hat sich das vision string quartet als eines der innovativsten Streichquartette seiner Generation etabliert. Die vier Musiker – Florian Willeitner (Violine), Daniel Stoll (Violine), Sander Stuart (Viola) und Leonard Disselhorst (Violoncello) – verstehen sich gleichermaßen als klassisches Quartett und als Band. Mit ihrer einzigartigen Fähigkeit, zwischen klassischem Repertoire und eigenen Kompositionen aus Genres wie Jazz, Pop, Rock und Funk zu wechseln, stellen sie die klassische Konzertwelt auf den Kopf. Ihre Auftritte führen sie in renommierte Säle wie die Elbphilharmonie Hamburg, den Kammermusiksaal der Berliner Philharmonie oder die Wigmore Hall in London. Dabei scheuen sie nicht vor unkonventionellen Konzertformaten zurück – etwa in völliger Dunkelheit oder mit eindrucksvollem Licht- und Videodesign. Ihr Debütalbum memento wurde 2020 mit dem Opus Klassik für die beste Kammermusikeinspielung ausgezeichnet. Das Nachfolgealbum Spectrum, das ausschließlich Eigenkompositionen enthält, wurde von den Musikern selbst produziert.

Florian Willeitner – Komponist und Geiger 

Florian Willeitner ist Violinist, Komponist und Arrangeur mit einem besonderen Fokus auf genreübergreifende Musik zwischen Klassik, Jazz und Weltmusik. Er studierte bei Benjamin Schmid am Mozarteum Salzburg, wo er 2017 sein Masterstudium mit Auszeichnung abschloss. 2016 gewann er den 2. Preis beim International Zbigniew Seifert Competition, 2022 wurde er mit dem Bayerischen Kunstförderpreis ausgezeichnet. Neben seiner Tätigkeit als Erster Geiger des vision string quartet ist Willeitner Mitbegründer und künstlerischer Leiter der Produktionsfirma Pool of Invention. Kompositionsaufträge erhielt er unter anderem vom Tonkünstlerorchester Niederösterreich, dem Musikfest Stuttgart, der Salzburger Mozartwoche sowie von renommierten Solisten wie Rolando Villazón und Benjamin Schmid. Seine Werke werden weltweit bei bedeutenden Festivals und in großen Konzertsälen aufgeführt.

Tradition der Uraufführungen 

Die Musikalische Akademie des Nationaltheater-Orchesters Mannheim e. V. pflegt seit vielen Jahren die Tradition, jedes Jahr eine neue Komposition in Auftrag zu geben und zur Uraufführung zu bringen. Diese Praxis unterstreicht das Engagement der Musikalischen Akademie für zeitgenössische Musik und die Förderung neuer Kompositionen. Bereits seit der Saison 1991/92 werden in diesem Rahmen regelmäßig Auftragswerke präsentiert – eine in der deutschen Orchesterlandschaft einzigartige Kontinuität.

Die diesjährige Auftragskomposition wurde ermöglicht durch die großzügige Unterstützung der Familie Limbourg sowie gefördert durch die Karin und Carl-Heinrich Esser Stiftung und die Heinrich-Vetter-Stiftung. Für dieses wertvolle Engagement bedanken wir uns sehr herzlich.

Ich kann es immer noch gar nicht glauben, dass ich Teil dieses Orchesters sein darf - das ist ein überwältigendes Gefühl. Auch freue ich mich in Mannheim bleiben zu dürfen, da ich die Stadt in mein Herz geschlossen habe und schöne Freundschaften schließen durfte. Gerade da es sich um meine erste feste Stelle handelt, ist es nochmal etwas ganz Besonderes. 

Mit 11 Jahren wurde ich Jungstudentin für Flöte und Klavier an der Hochschule für Musik und Theater Rostock. 2016 zog ich für mein Bachelor Studium nach München und gerade befinde ich mich mitten in meinem Master Studium am Mozarteum in Salzburg. Nach Verträgen am Staatstheater Kassel und an der Oper Hannover darf ich nun hier in Mannheim spielen. Aushilfen führten mich unter anderem in das Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks oder zum Norwegian Radio Orchestra nach Oslo.

Das Schöne an meinem Beruf ist, dass trotz fester Probenzeiten nicht jeder Tag gleich ist. Was ich so faszinierend finde, ist, dass wir als Gemeinschaft jeden Tag etwas Neues erarbeiten und zusammen etwas erschaffen.

Das Konzert mit Beethoven 9 hat mich besonders berührt. Danach habe ich mir besonders gewünscht, hier bleiben zu dürfen.

Auf welche Akademiekonzerte oder Projekte am Nationaltheater freust Du Dich besonders in der kommenden Spielzeit?

Das ist eine schwierige Frage, da ich die Programmauswahl der ganzen Spielzeit total toll finde! Wenn ich mich entscheiden müsste, wären besondere Highlights für mich Daphnis et Chloé und das 7. Akademiekonzert mit Till Eulenspiegel und Also sprach Zarathustra!

Brahms hat eine einzigartige Fähigkeit, Text in Musik zu verwandeln, und das zeigt sich in der Alt-Rhapsodie ganz besonders. Die dunkle, suchende Stimmung von Goethes Versen spiegelt sich in der tiefen, oft melancholischen Orchesterfarbe wider. Die chromatische Harmonik, die drängenden Linien und die sehnsuchtsvollen Wendungen der Singstimme machen die innere Zerrissenheit der lyrischen Figur spürbar. Erst mit dem Einsatz des Chores verwandelt sich diese Einsamkeit in eine Art Trost – ein wunderschönes Beispiel für Brahms’ feines Gespür für emotionale Tiefe.

Ja, die Alt-Rhapsodie ist ein Werk, das von der Sängerin große Ausdruckskraft und gestalterische Sensibilität verlangt. Vokal ist es herausfordernd, die langen, fließenden Linien mit der nötigen Tragfähigkeit zu gestalten, ohne dass die Intensität darunter leidet. Interpretatorisch ist die Balance zwischen innerer Verzweiflung und der späteren hoffnungsvollen Wendung eine spannende Aufgabe. Emotional ist das Werk besonders berührend, weil es so tief in die Seelenlandschaft eines verzweifelten Menschen eintaucht – und genau das macht es für mich so faszinierend.

Der Konzertgesang bietet mir eine ganz besondere künstlerische Freiheit. Während die Oper stark durch szenische Vorgaben geprägt ist, liegt im Konzert die gesamte Ausdruckskraft in der Musik und im Text selbst. Das erfordert eine andere Art der Gestaltung – alles muss über die Stimme, die Phrasierung, die Klangfarben vermittelt werden. Gleichzeitig empfinde ich die enge Verbindung zum Orchester oder Ensemble als etwas sehr Besonderes. Im Konzertgesang geht es oft um eine tiefere, unmittelbarere musikalische Kommunikation, und diese Vielseitigkeit, von Barock bis zur Moderne, empfinde ich als große Bereicherung.

Goethes Texte fügen sich inhaltlich in ein Programm, das zentrale Themen der Romantik aufgreift: Brahms’ Alt-Rhapsodie, basierend auf einem Vers aus Goethes Harzreise im Winter, ist ein eindringliches Klangbild existenzieller Vereinsamung und innerer Zerrissenheit. Die Altpartie, gesungen von Mezzosopranistin Gerhild Romberger, verleiht dieser seelischen Not eine unmittelbare, klanglich geerdete Stimme. Sie scheint stellvertretend für einen Menschen zu sprechen, der sich von der Welt entfremdet hat – ein Motiv, das in Goethes Lyrik ebenso anklingt wie in Brahms’ expressiver Tonsprache.

Liszts Faust-Symphonie entfaltet in drei Charakterbildern – Faust, Gretchen und Mephistopheles – eine psychologische Dramaturgie, die Goethes Figuren musikalisch interpretiert und ihre inneren Konflikte erlebbar macht. Der zweite Satz zeichnet das Porträt Gretchens in sanfter, gesanglicher Lyrik und lässt ihre emotionale Tiefe sowie ihre innere Reinheit durchscheinen. Der dritte Satz stellt einen scharfen Kontrast dar: Mephistopheles greift Fausts Themen auf, verzerrt sie jedoch durch eine ironische, zerrüttete Klangsprache. Im abschließenden Epilog übernimmt Christopher Diffey den Tenorpart.

Zur Person:

Ragna Pitoll studierte an der Hochschule für Schauspielkunst »Ernst Busch« in Rostock. Es folgten Engagements u.a. in Rostock, am Deutschen Schauspielhaus Hamburg, in Dortmund, Heidelberg, Wiesbaden, Mainz, Düsseldorf und zuletzt in Stuttgart. Seit 2003 gehört Ragna Pitoll zum Ensemble des Nationaltheaters Mannheim. Neben ihrer Arbeit am Theater ist sie immer wieder in Film- und Fernsehrollen zu sehen wie zuletzt im »Taunuskrimi«, im Stuttgarter Tatort »HAL« oder demnächst im Tatort „EX IT“.

1989 bis 2017 war Matthias ein fester Bestandteil des Nationaltheater-Orchesters Mannheim und des Bayreuther Festspielorchesters. Seine Leidenschaft für die Musik war unverkennbar und sein Engagement für die Kunst und für seine Mitmenschen außergewöhnlich.

Nach seiner Zeit am Nationaltheater widmete sich Matthias als Professor für Posaune an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf bis zuletzt der Ausbildung junger Talente. Sein Unterricht war geprägt von einem riesigen Engagement für die Musik und einem unermüdlichen Einsatz, seine Schülerinnen und Schüler zu inspirieren und zu fördern. Viele von ihnen werden seine Lehren und seine Begeisterung für die Musik in ihrem eigenen Schaffen weitertragen. Neben der Posaune galt seine große Leidenschaft der Basstrompete, mit der er insbesondere beim Ring des Nibelungen in nahezu allen bedeutenden Opernhäusern unseres Kontinents zu Gast war.

 Matthias Gromer wird in der Musikwelt und darüber hinaus schmerzlich vermisst werden. Sein wunderbarer Klang wird in Erinnerung bleiben, nicht nur in den Herzen derjenigen, die das Privileg hatten, ihn zu kennen und mit ihm zu musizieren. Möge er in Frieden ruhen und uns seine Musik in den zahlreichen Arrangements für die Blechbläserwelt weiterhin begleiten. 

Unser tiefstes Mitgefühl gilt seiner Familie, seinen Freunden und all jenen, die das Glück hatten, ihn kennengelernt zu haben. 

Nationaltheaterorchester Mannheim

GMD Roberto Rizzi Brignoli eröffnet die Saison mit Jubilar Maurice Ravel: Mit Daphnis et Chloé und La Valse entführt die Musikalische Akademie in impressionistische Klangwelten. Für Saint-Saëns' berühmtes Cellokonzert konnte Weltklassesolist Daniel Müller-Schott gewonnen werden. Den Abschluss bildet Mussorgskis Bilder einer Ausstellung in Ravels brillanter Orchestrierung. 

2. Akademiekonzert – 17./18. November 2025 Nach einem glanzvollen Saisonauftakt führt GMD Roberto Rizzi Brignoli auch durch das 2. Akademiekonzert, an seiner Seite Konzertmeisterin Olga Pogorelova als Solistin in Bartoks zweitem Violinkonzert. Das Werk verbindet volkstümliche Elemente mit komplexen Strukturen und außergewöhnlichen Anforderungen an Solistin wie Orchester. Rach- maninows zweite Symphonie gilt als Hauptwerk der russischen Spätromantik und ist prädestiniert für den vollmundigen Klang des NTO. 

3. Akademiekonzert – 08./09. Dezember 2025 Tschaikowskis ikonisches erstes Klavierkonzert trifft auf die schillernde Märchenwelt Strawinskys: Pianist Barry Douglas bringt die funkelnden Kaskaden des Soloparts zum Strahlen, während Dirigent Ingo Metzmacher und das NTO mit dem Feuervogel die ganze Magie der russischen Klangwelt zum Leben erweckt. 

4. Akademiekonzert – 02./03. Februar 2026 Mahlers sechste Symphonie, oft als seine Tragische bezeichnet, fesselt mit schicksalhafter Wucht und legendären Hammerschlägen - GMD Roberto Rizzi Brignoli entfaltet dieses monumentale Werk in seiner vollen Dramatik. Zwischen heroischer Kraft und tiefstem Schmerz erwächst eine Sinfonie von zeitloser Intensität. 

5. Akademiekonzert – 02./03. März 2026 Eintauchen in Böhmens Klangwelt: Während Smetanas Moldau Natur, Menschen und Geister sehnsuchtsvoll miteinander verbindet, zeichnet Dvořák in seiner achten Symphonie gänzlich ohne Programm ein frappierend ähnliches Bild seiner geliebten Heimat. Dem gegenüber steht erstmals ein Solokonzert als Auftragswerk der Musikalischen Akademie: Das erste Violinkonzert von Thorsten Encke. 

6. Akademiekonzert – 13./14.04.2026 Rossinis spritzige Semiramide-Ouvertüre, Webers virtuoses Fagottkonzert und Beethovens ekstatische siebte Symphonie – welch Energie und Spielfreude. Rie Koyama, Solofagottistin der Bamberger Sinfoniker und Geheimtipp in der Fagottwelt, zeigt, wie verkannt dieses wunderschöne (Solo-)Instrument doch ist! 

7. Akademiekonzert – 11./12. Mai 2026 Till Eulenspiegel treibt mit Strauss' berühmter Tondichtung seinen Schabernack, während Alfredo Perl Mozarts 24. Klavierkonzert mit tiefgründiger Intensität zum Leuchten bringt. Den krönenden Abschluss bildet Also sprach Zarathustra mit seinem eindrucksvollen Sonnenaufgang – ein Konzert, das Humor, philosophische Tiefe und orchestrale Pracht vereint. 

8. Akademiekonzert – 22./23. Juni 2026 Endlich wieder eine Mozartsymphonie im Akademiekonzert: Seine „40.“ gilt als trauernde – und passt damit auf bewegende Weise zu seinem sagenumworbenen Requiem. Rinaldo Alessandrini und der Chor des Nationaltheaters sorgen für ein tröstend-bewegenden Saisonabschluss, erstmals im Rahmen des Mannheimer Sommers. 

Kammerakademie – 25. Juli 2026, Schlosstheater Schwetzingen 

Barocke Pracht im historischen Ambiente: Gottfried von der Goltz präsentiert italienische Meisterwerke des 17. und 18. Jahrhunderts. Eine Hommage an die klangvolle Virtuosität und den lebensfrohen Glanz des italienischen Barocks.

Was hat Sie zum Violoncello geführt? Gab es einen prägenden Moment oder eine inspirierende Person, die Ihre Entscheidung beeinflusst hat? 

Schon als Kind war ich ständig von der warmen, tiefen Klangfarbe des Violoncellos umgeben – und das lag nicht zuletzt daran, dass mein Vater Cellist ist. Cellomusik war quasi immer im Hintergrund – besonders Schallplatten mit dem Cellisten Daniil Shafran liefen bei uns rauf und runter. Ein Moment, der mir immer in Erinnerung geblieben ist, war, als ich etwa zehn Jahre alt war und mit meinem Vater zu einem Konzert des berühmten Cellisten Lynn Harrell ging. Ich war so hin und weg, dass ich ihm nach dem Konzert sagte: „Eines Tages will ich genauso spielen wie er!" Diese Begeisterung für das Cello hat mich nie losgelassen, und Jahre später hatte ich tatsächlich das Glück, bei Professor Lynn Harrell selbst zu studieren – ein echter Traum! Aber ehrlich gesagt, jedes Mal, wenn ich mein Cello in die Hand nahm, dachte ich: Warum klingt es immer so viel besser, wenn er spielt? Bis heute fasziniert mich die Vielseitigkeit des Instruments, und es treibt mich an, immer weiter nach neuen klanglichen Möglichkeiten zu suchen.

Meine ersten Eindrücke von Mannheim und der Musikalischen Akademie waren durchweg positiv. Zuvor habe ich fünf Jahre beim Berner Symphonieorchester gespielt, und der Unterschied zwischen Bern und Mannheim ist einfach riesig! Bern ist eine gemütliche, eher ruhige Stadt, in der um 21 Uhr alles schläft. Mannheim hingegen ist viel lebendiger und pulsiert auch abends noch richtig. Ich liebe die Vielfalt der Stadt – mehr Restaurants, mehr Kultur und definitiv mehr Action – etwas, das ich sehr schnell zu schätzen gelernt habe. Die Innenstadt rund um den Wasserturm ist wirklich wunderschön. Aber was ich in Bern fast täglich erlebt habe und tatsächlich ein bisschen vermisse, ist der atemberaubende Blick vom Konzertsaal, Casino Bern, auf die weite Alpenlandschaft mit der Jungfrau – einfach beeindruckend. Ganz ehrlich, ich konnte mich nie sattsehen. 

Was mich hier wirklich überrascht hat, ist die lange Tradition der Musikalischen Akademie. Die Akademiekonzerte gehören zu den ältesten Konzertreihen Deutschlands – das war mir vorher nicht bewusst. Ich glaube, außerhalb Mannheims wissen das viele gar nicht, was eigentlich schade ist, denn diese Tradition und die Konzerte sind wirklich einzigartig. Ein besonderes Merkmal der Musikalischen Akademie ist, dass sie – im Gegensatz zum Opernbetrieb im Nationaltheater – allein von den Mitgliedern des Orchesters organisiert wird: von der Programmgestaltung über die Wahl der Solisten und Dirigenten bis hin zur finanziellen Verantwortung. Diese Struktur macht die Akademie in dieser Form wirklich besonders. Es wäre schön, wenn diese außergewöhnliche Konzertreihe noch stärker über die Stadtgrenzen hinausstrahlen könnte. Dieses wunderbare Orchester, das als eines der kulturellen Aushängeschilder Mannheims gilt, verdient es, noch stärker in den Fokus gerückt zu werden. Tourneen oder CD-Produktionen wären großartige Möglichkeiten, um diese herausragende Musikkultur weiterzutragen – allerdings sind solche Projekte immer von verschiedenen Faktoren und Ressourcen abhängig.

Es gab schon einige Konzerte, die mich total bewegt und inspiriert haben. Aber eines, das wirklich heraussticht, war die Aufführung von Mahlers 5. Symphonie unter der Leitung von Ingo Metzmacher. In dieser Symphonie gibt es viele Momente, in denen die Celli mit wunderschönen Kantilenen hervortreten, und es war das perfekte Konzert, um meine Kolleginnen und Kollegen – und sie mich – besser kennenzulernen. Die Celli haben so großartig geklungen, und in diesem Moment wusste ich: Mein Platz ist hier! Das Besondere an diesem Erlebnis war nicht nur die emotionale Tiefe der Musik, sondern auch das Gefühl, Teil eines perfekt abgestimmten Ensembles zu sein. Musik kann so unglaublich kraftvoll sein – sie verbindet uns, bewegt uns und lässt uns unvergessliche Momente erleben. Dieses Konzert wird mir noch lange in Erinnerung bleiben.

Oh, da gibt es viele! Da fällt es mir schwer, nur eines zu nennen. Ich liebe besonders die Musik der Romantik. In der Orchesterliteratur komme ich immer wieder auf die Sinfonien von Brahms, Mahler, Bruckner, Dvořák oder Tschaikowski zurück. Apropos Tschaikowski – ich habe viele Jahre beim Württembergischen Kammerorchester Heilbronn gespielt und in dieser Zeit sicher über 100 Mal seine Streicherserenade aufgeführt. Doch auch nach all diesen Aufführungen macht es immer noch riesigen Spaß, dieses Werk zu spielen und das Publikum damit zu begeistern. In der Opernliteratur bin ich übrigens ein riesiger Puccini-Fan. Aber auch die Musik von Richard Strauss und Wagner hat es mir angetan. Wagners Orchestrierung ist einfach unglaublich – das, was wir Musiker im Orchestergraben hören, ist faszinierend. Im Saal nimmt man das oft nicht in dieser Intensität wahr, weil der Fokus mehr auf dem Bühnengeschehen liegt. Vielleicht sollte man Wagner-Opern zweimal erleben: einmal mit Konzentration auf die Bühne und ein weiteres Mal, um sich ganz auf die Orchesterklänge einzulassen.

Welche Werte sind Ihnen in der Zusammenarbeit mit anderen Musikerinnen und Musikern wichtig? 

In der Zusammenarbeit mit anderen Musikerinnen und Musikern sind mir vor allem gegenseitiger Respekt, Offenheit und ein gemeinsames musikalisches Verständnis wichtig. Letzteres funktioniert zwar nicht immer, aber man versucht, sich gegenseitig zu überzeugen – das gehört wohl dazu. Musik lebt vom Zuhören – nicht nur technisch, sondern auch emotional. Ein gutes Ensemble entsteht, wenn jeder bereit ist, sich auf die anderen einzulassen, aufeinander zu reagieren und gemeinsam einen Klang zu formen. Und ganz wichtig: Der Spaß darf dabei nicht zu kurz kommen! Musik soll lebendig, mit Leidenschaft und einem Hauch Humor gespielt werden – besonders, wenn man miteinander gut auskommt. Wenn Professionalität, Vertrauen und Freude zusammenkommen, entsteht eine ganz besondere Energie, die nicht nur uns Musiker, sondern auch das Publikum berührt.

Abseits der Musik – wie verbringen Sie Ihre Zeit? 

Abseits der Musik verbringe ich meine Zeit am liebsten mit meinen beiden Kindern, die in Heilbronn leben, und mit meiner Lebensgefährtin. Ich bin außerdem ein echter Stadtmensch und liebe es, verschiedene Städte in Europa und weltweit zu besuchen – nicht nur wegen der Atmosphäre und kulturellen Vielfalt, sondern auch, weil ich ein leidenschaftlicher Restaurantbesucher bin, bereiten mir neue kulinarische Erlebnisse einfach große Freude. Ein weiteres großes Hobby von mir ist Fußball. Ich versuche, so viele Spiele wie möglich zu sehen und freue mich schon darauf, in der nächsten Saison einige Spiele live im Stadion zu erleben. Hoffentlich steigt der 1. FC Kaiserslautern auch noch in die Bundesliga auf – dann käme noch ein weiteres Stadion in der Nähe hinzu!

Gibt es Stellen in Griegs Klavierkonzert, die für Sie besonders herausfordernd oder bewegend sind und wenn ja, warum?

“Ich denke, dass der folkloristische Charakter, der sich durch das gesamte Werk zieht, eine besonders eindrucksvolle melodische und rhythmische Struktur bietet. Durch die meisterhafte Orchestrierung und harmonische Gestaltung sowie das außergewöhnlich schöne thematische Material nimmt dieses Werk einen zentralen Platz im Repertoire der Klavierkonzerte ein. Für den Solisten ist insbesondere die große und sehr virtuose Kadenz im ersten Satz ein entscheidender und spektakulärer Moment.”

Was ist Ihrer Meinung nach der Schlüssel zu einem guten Zusammenspiel zwischen Klavier und Orchester in diesem Werk?

“In diesem Werk entfalten der Pianist und das Orchester ein höchst inspirierendes Zusammenspiel: Entweder fügen sich Solist und Orchester auf wunderbare Weise ineinander, indem sie einander thematisch ergänzen und gemeinsam dramatische Phrasen aufbauen, oder das Orchester schafft eine klanglich reiche und harmonisch facettenreiche Grundlage, mit der der Solist in einen lebendigen Dialog tritt. Die Orchestration ist dabei so meisterhaft gestaltet, dass der Klavierpart selbst in den klanglich opulenten Passagen des Orchesters stets klar und strahlend hervortritt.”

Könnten Sie uns etwas über Ihre Arbeitsweise und Vorbereitung für ein Konzert erzählen?

"Die Vorbereitung auf ein Konzert ist immer eine aufregende Reise, da sie sowohl langfristige als auch kurzfristige Ziele bedeutet. “Auf längere Sicht muss man sich zunächst mit dem Werk vertraut machen, es auswendig lernen und, wenn es sich um ein Konzert handelt, auch den Orchestertteil erarbeiten. In der Vorbereitungsphase und mit dem Näherrücken der Aufführung versuche ich zu dem Stück eine tiefe Verbindung aufzubauen und eine ganz persönliche Sichtweise zu finden, dabei jedoch die Hinweise des Komponisten mit größter Sorgfalt zu respektieren. Ich bin fest davon überzeugt, dass sich bei genialen Komponisten die meisten ihrer musikalischen Intentionen bereits durch aufmerksames Studium der Partitur offenbaren. Unsere Aufgabe als Interpreten besteht dann darin, die Musik mit unserer eigenen Persönlichkeit zum Leben zu erwecken und jenes magische Zusammenspiel mit dem Publikum entstehen zu lassen.”

Wie gehen Sie an eine Komposition heran, die Sie schon oft gespielt haben und wie an eine, die Sie zum ersten Mal in einem Konzert spielen?

“Ein bereits aufgeführtes Werk erneut zu erarbeiten, gleicht der Rückkehr an einen wohlvertrauten Ort – die Erfahrung des Einstudierens und Aufführens ist bereits vorhanden. Gleichzeitig offenbart sich mit jeder neuen Interpretation eine weitere Facette der Musik, und jede Aufführungssituation ist einzigartig. Gerade darin liegt ihr besonderer Reiz. Bei einem völlig neuen Werk hingegen ist ein längerer Vorbereitungsprozess erforderlich. Es gehört zur Aufgabe eines konzertierenden Künstlers, einschätzen zu können, wie viel Zeit und Arbeit ein Stück benötigt. Dabei spielt es eine wesentliche Rolle, ob mir ein Werk bereits durch das Hören vertraut ist – selbst wenn ich es noch nie selbst gespielt habe. Das Gehirn besitzt die erstaunliche Fähigkeit, gespeicherte musikalische Eindrücke zu nutzen und so Abkürzungen im Einstudierungsprozess zu schaffen.”

Den Auftakt bildet Griegs Klavierkonzert – ein Werk, das nordische Weite mit romantischer Emphase verbindet. Bereits der markante Eröffnungsschlag des Soloinstruments setzt ein expressives Zeichen, dem sich kantable Linien und tänzerische Elemente anschließen. Die französisch-ungarische Pianistin Suzanna Bartal wird mit ihrem feinsinnigen Gespür für Ausdruck und Struktur die kontrastreichen Spannungsfelder dieses Meisterwerks ausleuchten.

Den zweiten Teil des Abends widmet das Nationaltheater-Orchester Beethovens Sinfonie Nr. 6, besser bekannt als Pastorale. Dieses Werk zählt zu den frühesten programmatischen Sinfonien und spiegelt seine tief empfundene Naturverbundenheit wider. In fünf poetisch betitelten Sätzen entfaltet sich eine vielschichtige Klanglandschaft: von der friedvollen Heiterkeit ländlicher Szenen über das ausgelassene Treiben eines Dorffestes bis hin zum Aufziehen eines Gewitters, das schließlich in einen verklärten Dankgesang mündet. Unter der Leitung von Marc Minkowski, dem berühmten Spezialisten für historische Aufführungspraxis, wird das Nationaltheater-Orchester die feinen Nuancen und die emotionale Bandbreite dieses Meisterwerks authentisch zum Ausdruck bringen.

Rosengarten Mannheim, Mozartsaal 

Montag, 17. und Dienstag, 18. März 2025, 

20 Uhr, Einlass 19:00 Uhr 

Einführungsveranstaltung 19:15 Uhr

Marc Minkowski 

Dirigent

Suzanna Bartal 

Klavier

Edvard Grieg (1843—1907) 

Konzert für Klavier und Orchester 

a-Moll op. 16 

Ludwig van Beethoven (1770—1827) 

Symphonie Nr. 6 F-Dur op. 68 

Zum 5. Akademiekonzert am 17. und 18. Februar 2025 präsentiert die Ausnahmebratschistin Tabea Zimmermann ihre eigene instrumentierte Fassung von Bartóks Konzert für Viola und Orchester. Wir haben ihr vorab drei Fragen zu ihrer Interpretation des Werkes und ihrer Verbundenheit zur Musikalischen Akademie gestellt.

Tabea Zimmermann © Marco Borggreve

Was macht Bartóks Violakonzert für Sie so einzigartig - und wie spiegelt sich das in Ihrer Interpretation wider?

Bartóks Bratschenkonzert ist nach wie vor eines der größten und schönsten Konzerte, die es für mein Instrument gibt. Béla Bartók schrieb es für den wunderbaren William Primrose und hat uns mit dem musikalischen Material ein vielschichtiges und abwechslungsreiches Solokonzert geschenkt, mit dem man das Instrument Bratsche auch so wunderbar vielseitig präsentieren kann. Die Bratsche singt, tanzt, weint, tröstet, ist nachdenklich, sportlich und zum Ende hin ausgelassen… einfach alles da.

Durch Ihre Arbeit mit Bartóks Handschriften haben Sie eine eigene Fassung erarbeitet. Was war Ihr wichtigstes Ziel dabei? 

Mein Blick auf das Konzert hat sich insbesondere durch die Veröffentlichung der Handschrift des Komponisten verändert. Bis 1995 kannte man nur die vom befreundeten Komponisten Tibor Serly vollendete Fassung, für die man zwar dankbar sein muss, die aber sehr viele Probleme aufwirft, da Serly sich viele Freiheiten genommen hat bei der Erstellung einer kompletten Fassung der - zugegebenermaßen - schwer lesbaren Handschrift und der offensichtlich nicht ganz fertig auskomponierten Orchesterstimmen. Durch das jahrelange Studium der Handschrift wollte ich vor allem die von Serly hinzugefügten bzw. veränderten Töne in der Solostimme rückgängig machen und musste dazu auch die ein oder andere Änderung am Orchestermaterial vornehmen. Es war ein jahrelanges Probieren und ist auch weiterhin ein work in progress, denn auf viele Fragen gibt es keine endgültige Antwort. Serly hatte die Instrumentation gewählt, hat Dynamik, Tempi, Phrasierung festgelegt und eben einiges nach nicht nachvollziehbaren Kriterien verändert. Mit der eigenen Fassung habe ich versucht, meine Interpretation des vorhandenen Materials in eine spielbare Version zu formen. Diese fast archäologische Arbeit hat neben viel Arbeit auch sehr viel Freude gemacht und mich in viele Werke von Bartók eintauchen lassen.

Sie haben Bartóks Violakonzert bereits in der Saison 89/90 in Mannheim gespielt. Wie hat sich Ihr Blick auf das Werk seither verändert? 

Es freut mich, dass ich meine Sicht auf das Werk noch einmal in Mannheim spielen darf. Mir ist als Künstlerin bei all meinen Konzerten wichtig, die schwarzen Pünktchen auf dem Notenpapier lebendig zum Klingen zu bringen und meine Interpretation immer wieder zu hinterfragen, neue Ansätze auszuprobieren und in ein organisch wirkendes Ganzes einzufügen.

GMD Roberto Rizzi Brignoli © Miina Jung

Roberto Rizzi Brignoli, Generalmusikdirektor des Nationaltheater-Orchesters Mannheim, setzt im 5. Akademiekonzert seinen Strauss-Zyklus mit dem vielschichtigen Werk Tod und Verklärung fort. Die 1890 uraufgeführte Tondichtung beschäftigt sich auf eindrucksvolle und berührende Weise mit den Thematiken Liebe und Tod und entspricht somit ganz dem Zeitgeist der Spätromantik. Dazu gesellt sich Wagners Vorspiel und Liebestod aus Tristan und Isolde, welches die Geschichte einer vollkommenen, wenn auch tragischen Liebe erzählt. Wagner und Strauss und deren kraftvolle Tonsprache gehören zum Kernrepertoire des NTOs.

Solistin des Abends ist Tabea Zimmermann, die seit Jahrzehnten eine Sonderstellung unter Bratschistinnen innehat. Sie präsentiert eine selbst instrumentierte Fassung des vom Komponisten Béla Bartók zu Lebzeiten nicht mehr vollendeten Werks.

5. Akademiekonzert 2024/25

Rosengarten Mannheim, Mozartsaal 

Montag, 17. und Dienstag, 18. Februar 2025, 

20 Uhr, Einlass 19:00 Uhr 

Einführungsveranstaltung 19:15 Uhr 

GMD Roberto Rizzi Brignoli 

Dirigent 

Tabea Zimmermann 

Viola 

Programm 

Richard Wagner (1813—1883) 

Vorspiel und Liebestod aus 

Tristan und Isolde 

Béla Bartók (1881-1945) 

Konzert für Viola und Orchester Sz 120 

Richard Strauss (1864-1949) 

Tod und Verklärung op. 24

Eröffnet wird das Konzert mit Robert Schumanns Ouvertüre aus Genoveva, einem selten aufgeführten Werk, das dramatische Impulse und lyrische Passagen eindrucksvoll miteinander verbindet. Einen spannenden Kontrast dazu bildet Frank Martins Konzert für sieben Blasinstrumente, Pauken, Schlagzeug und Streicher. Das Werk beeindruckt mit seiner rhythmischen Vielschichtigkeit und stellt höchste Ansprüche an die orchestereigenen Solistinnen und Solisten, deren virtuose Interpretation wesentlich zur klanglichen und strukturellen Präzision des Stückes beiträgt.

Brahms’ 2. Symphonie in D-Dur gilt als Paradebeispiel für die organische Verbindung von motivischer Arbeit und formaler Klarheit. Besonders auffällig ist der stets zwischen Melancholie und Optimismus mäandernder Grundton des Werks, der sich von der pastoralen Atmosphäre des ersten Satzes bis zur triumphalen Coda im Finale entfaltet. Die subtilen Übergänge zwischen den Satzteilen und die meisterhafte Verarbeitung der musikalischen Themen laden ein, die polyphone Struktur und die motivische Entwicklung aus der Nähe zu betrachten.

4. Akademiekonzert 2024/25 

Rosengarten Mannheim, Mozartsaal 

Montag, 20. und Dienstag, 21. Januar 2025 

20 Uhr, Einlass 19:00 Uhr 

Einführungsveranstaltung 19:15 Uhr 

Pablo González 

Dirigent 

Nationaltheater-Orchester Mannheim 

Programm 

Robert Schumann (1810—1856) 

Ouvertüre aus Genoveva 

Frank Martin (1890—1974) 

Concerto für 7 Blasinstrumente, Pauken, Schlagzeug und Streichorchester 

Johannes Brahms (1833—1897) 

Symphonie Nr. 2 D-Dur op. 73

Das Konzert führt programmatisch durch den Alltag der Metropolen in den 1920er-Jahren und beleuchtet die Menschen jener Zeit mit einer sachlichen, zugleich einfühlsamen Perspektive auf ihre tiefsten Emotionen. Diese Epoche war von Extremen geprägt: Auf der einen Seite stand der harte Überlebenskampf – die Suche nach der nächsten Mahlzeit. Auf der anderen Seite zeichnete sich dieses Jahrzehnt durch seine schillernden Partys und eine ausgelassene Lebensfreude aus. Doch selbst durch den Glanz und Glamour schimmerte das allgegenwärtige Elend hindurch.

Die Betonung der Objektivität, Präzision und Sachlichkeit, die oft mit einer kritischen Darstellungsweise verbunden ist, durchzieht alle literarischen Texte und korrespondiert mit der klaren und verständlichen Musiksprache der Kompositionen. Schauspieler Moritz Hahn rezitiert ausgewählte Texte, während Solistinnen und Solisten des Nationaltheater-Orchester Kammermusik- und Solowerke spielen. Gemeinsam vermitteln sie ein lebendiges Bild dieser turbulenten Ära zwischen den Weltkriegen, geprägt von tiefgreifenden gesellschaftlichen und politischen Umbrüchen.

Ein Jahr voller bezaubernder Musik, bereichernder Begegnungen und unvergesslicher Konzertmomente liegt hinter uns. Für Ihre Treue und Unterstützung möchten wir Ihnen von Herzen danken. Wir wünschen Ihnen eine festliche Weihnachtszeit, erfüllt mit Glück, Liebe und dem Zauber der Musik.

Bitte beachten Sie, dass unsere Geschäftsstelle vom 23.12.2024 bis zum 06.01.2025 geschlossen ist. Ab Montag, den 07.01. sind wir zu den gewohnten Öffnungszeiten wieder für Sie da.

Liebe Konzertbesucherinnen und Konzertbesucher, 

aufgrund der großen Beliebtheit von Beethovens 9. Symphonie und des parallel stattfindenden Weihnachtsmarkts am Wasserturm kann die Parksituation rund um den Rosengarten an beiden Konzertabenden stark eingeschränkt sein. Wir empfehlen Ihnen daher, frühzeitig zum Veranstaltungsort zu kommen, um entspannt in den Konzertabend starten zu können.

Nutzen Sie nach Möglichkeit die öffentlichen Verkehrsmittel, um stressfrei und komfortabel anzureisen.

Bitte beachten Sie außerdem, dass es bei der Kartenabholung an der Abendkasse zu etwas längeren Wartezeiten kommen kann. 

Wir danken Ihnen herzlich für Ihr Verständnis und freuen uns darauf, Sie bei diesem besonderen Konzertabend willkommen zu heißen! 

Mit freundlichen Grüßen, 

Ihr Team der Musikalischen Akademie Mannheim

Beethovens 9. Symphonie unter der Leitung von GMD Rizzi Brignoli nach 25 Jahren wieder im Rosengarten 

Am 16. und 17. Dezember 2024 bringt das Nationaltheater-Orchester Mannheim Beethovens monumentale 9. Symphonie auf die Bühne des Mozartsaals. Es singen die Solistinnen und Solisten Estelle Kruger (Sopran), Julia Faylenbogen (Alt), Jonathan Stoughton (Tenor) und Sung Ha (Bass) sowie dem Opern- und Extrachor des Nationaltheaters Mannheim. 

Beethovens 9. Symphonie, auch bekannt als „Chorsymphonie“, ist eines der bedeutendsten Werke der Musikgeschichte. Das Finale, mit Friedrich Schillers Ode an die Freude, symbolisiert universelle Werte wie Freiheit, Brüderlichkeit und den Glauben an die Menschheit. Es ist das erste Werk der Musikgeschichte, das die menschliche Stimme in eine Symphonie integriert – ein revolutionärer Schritt, der die musikalische Welt nachhaltig prägt. Die Komposition vereint Dramatik, lyrische Schönheit und triumphale Energie in einem unvergleichlichen Klanguniversum. Der Rosengarten, ein Ort mit einer langen und bedeutenden musikalischen Geschichte, hat eine besondere Verbindung zu Beethovens 9. Symphonie: Bereits zu seiner Eröffnung im Jahr 1903 und zur Einweihung des Mozartsaals vor genau 50 Jahren war es das Nationaltheater-Orchester Mannheim, das dieses Werk aufführte - nun kehrt die Ode an die Freude an ihren historischen Aufführungsort zurück.